導言：作為寫作愛好者，不可錯過為您精心挑選的10篇古典音樂鋼琴教學，它們將為您的寫作提供全新的視角，我們衷心期待您的閱讀，并希望這些內容能為您提供靈感和參考。

篇1

一、古典音樂的發展和介紹

1.古典音樂簡介

所謂的古典音樂鋼琴發展，并沒有一個具體的年限，大致主要是古希臘古羅馬時期的一種古典主義風潮，也主要是因為法國啟蒙主義運動的深入，將這一思想帶到了鋼琴音樂發展當中。古典音樂在鋼琴演奏中最富有代表的形式就是奏鳴曲，而古典鋼琴的代表也主要是維也納古典樂派，著名的海頓、莫扎特以及貝多芬都是維也納古典樂派的成員。這一樂派的音樂創作風格和鋼琴演繹風格對于后續的世界鋼琴發展史都具有不可替代的意義和作用，同時也為鋼琴的發展提供了更多的技巧要求。

二、古典音樂的特征分析

1.奏法要明確

在古典音樂的發展道路中，維也納古典樂派作出了杰出的貢獻，同時他們也為后人進行鋼琴演奏提供了更多的典范和要求。首先，古典樂派非常注重的就是奏法技巧，在鋼琴的演奏當中有許多的奏法，比如連奏、非連奏、斷奏、半跳音等，這些都是鋼琴觸法的基礎。而古典音樂利用鋼琴進行演奏的時候，更是需要對于每一種奏法進行明確。

例如連奏的演奏技巧，主要是手指不能輕易的離開鍵盤，并且在演奏過程當中，盡可能不要將手抬高或者離開，不得不離開的時候再進行手指的抬起或者移動。對于連奏而言，每一個音符都應該飽滿且富有情感，注意對于音符時值的保持，使得每一個音符都能夠達到應該保持的時間。而相對而言，在鋼琴演奏當中，斷奏是比較難以把握的一種奏法，對于初學者來說相對較難，斷奏也可以稱為跳音，所以實際上演奏斷奏的時候也應該手指輕觸鍵盤，避免因為過于短促而出現音樂演奏中的停頓，使得演奏整體受到影響。

2.踏板使用存在技巧

鋼琴主要有三個踏板，這三個踏板對于演奏古典音樂都有著完全不同的作用。首先應當明確三個踏板分別是延音踏板、柔音踏板和持續音踏板。延音踏板使用相對較多，主要就是保持音與音之間的連貫，在每個音符完成之后才能更換。每一種踏板都有著不同的作用，對于不同曲風的音樂也有著不同的技巧和應用要求。

3.裝飾音的應用

裝飾音是鋼琴演奏過程當中必不可少的一種風格和特點，主要是沿襲了古典音樂鋼琴演奏的基本風格，一般常見的裝飾音有顫音、波音、回音等，每一種裝飾音都有著不同的要求。

例如波音一般來說只允許出現三個音，但是根據主音的長短最多可以增加到五個音，可是對于逆波音來說就只能出現三個音，這是古典音樂鋼琴演奏的要求，也是沿襲到后續鋼琴發展中的技巧和要求。

4.注意音階和琶音的演奏

琶音和音階的練習一直都是鋼琴演奏的重點。而古典音樂鋼琴練習的琶音和音階訓練主要以車爾尼的作品為主。車爾尼作品中主要就是注重音階和琶音的基礎性作用，對于不同的演奏技巧都有不同的區分和著重訓練點。

例如音階主要在四個八度之內，主要訓練手指的耐力和速度等，對于鋼琴演奏基礎的訓練具有重要意義。而琶音與音階相似，強調的主要是手指之間的間距，體現出手指的獨立以及對于鍵盤的距離感，對于鋼琴演奏以及古典音樂技巧的引入都有很大的幫助。

三、古典音樂對鋼琴學習的意義

1.加強了鋼琴學習的技術性要求

古典音樂對于鋼琴學習具有重要的技術性指導意義。在世界鋼琴發展中，古典音樂鋼琴演奏模式很多時候都深深的造成了對后續鋼琴演奏的影響。

例如肖邦的練習曲，基本上每一首曲子都有著不同的技術要求，并且在整首曲子當中，都有著固定不變的注重點和練習點，豐富多樣的鋼琴技術練習法對于鋼琴學習具有指導意義。亦或者肖邦f小調練習曲實際上就被他賦予了無盡的柔美和悠揚，在整首練習曲當中，主要都是三連音演奏和兩個聲部的貫穿，對于訓練手指的靈活和手臂的柔軟以及訓練演奏者的情感表現力都具有重要的作用。

2.增強了鋼琴學習的歷史意義

由于古典音樂具有很久的發展歷史，所以對于現代鋼琴的教學和學習，具有很強的歷史意義。在肖邦之前的一些鋼琴演奏者或者創作者，都更加注重對于鋼琴技術的要求，強調演奏技巧，而肖邦則在其基礎上融入了大量的情感色彩，使得鋼琴演奏具有更加明顯的情感意味。所以古典音樂在鋼琴演奏中的發展，不僅僅實現了鋼琴演奏技巧的突破，更在肖邦之后實現了鋼琴演奏情感和表現力的彰顯，成為世界鋼琴發展史上又一座里程碑。

3.完善了鋼琴教學內涵，實現了“古曲今創”

篇2

0 前言

被譽為杰出浪漫主義的“抒情風景畫大師”的門德爾松是德國浪漫樂派最具代表性的人物。門德爾松的鋼琴音樂最為顯著的特征就是從根本上結合了浪漫主義跟古典主義兩個方面。也就是說，其音樂作品在具備非常豐富的古典主義邏輯性的同時還具備非常顯著的浪漫主義幻想性，所以需要認真審視其作用。門德爾松是繼莫扎特之后出現的最為完美的曲式大師，其作品具有非常顯著的特殊性。他在作品中完美地結合了浪漫主義的志趣跟古典主義的傳統，這樣一來就直接賦予作品非常豐富的詩意典雅性，其主要擅長的就是在正規的古典曲式中納入美妙的旋律，如《小提琴協奏曲》e小調就是非常典型的一個曲子，形成了非常豐富的“門德爾松風格”。[1]

1 完美地結合古典主義藝術跟浪漫主義

門德爾松的作品最為顯著的特征就是含有非常豐富的抒情元素，同時門德爾松的作品還充滿著非常豐富的浪漫主義幻想。通過分析其大部分作品我們可以發現，其還具有非常顯著的嚴謹邏輯性，其從整體上表現出來的是一種均衡之美。門德爾松是浪漫主義代表性人物之一，在分析其作品的過程中我們會發現他的作品存在很多浪漫派系的元素。例如，其擅長的就是柔和以及幻想元素的使用，同時其還對那部分古典音樂給予足夠的重視以及關注，其可以在原有的基礎上促使傳統與浪漫完美地交織在一起。門德爾松在重視以及關注古典音樂的過程中創作出的《馬太受難樂》，這部作品得到了人們的重新認可。門德爾松的觀點是：傳統形式的音樂存在非常顯著的價值，同時還存在明顯的現實意義，所以在實際工作中，需要在原有的基礎上將其傳承下去。所以，在分析門德爾松作品的過程中，我們會發現其作品到處都有古典音樂所存在的邏輯性。在傳統音樂方面，門德爾松在繼承傳統音樂的過程中發揮著不可或缺的重要作用。門德爾松在完成鋼琴作品創作的過程中，首先，用以下幾個方面的古典音樂體裁作為創作的標準要求：變奏曲、協奏曲、鳴奏曲、變奏曲、協奏曲、賦格曲等。其次，他這樣做也是為了從根本上防止陷入古典主義模仿的泥潭中。所以，其主要的目的就是完成以下幾種類型作品的創作：區別于古典主義，同時不丟棄古典主義的音樂。古典派門德爾松陸續寫了15年的《無詞歌》，分為8卷出版，每卷各6首，一共48首。同時，代表作《無詞歌》也是和浪漫派的分水嶺，是門德爾松獨創的體裁形式。[2]上述提到的48首曲目篇幅都比較長，但是上述歌曲都存在非常豐富的歌唱性旋律以及歌唱性伴奏，同時全部都是屬于完整的歌曲形式，非常精致，并且含有非常豐富的創意，這成為當時門德爾松生活的具體體現。

門德爾松在創新藝術的過程中認為藝術實質上有一個普遍和具有延續性的基本原則，不管其涉及的是哪一個方面的創新其都是在傳統的基礎上完成變動的，即使是貝多芬，在其創作過程中也會參照傳統。例如，貝多芬的《第一奏鳴曲》，該作品享譽全球，分析其實際情況我們會發現，其也在一定程度上繼承了莫扎特的音樂特征。所以，在序曲《仲夏夜之夢》出現的時候，有人認為門德爾松完全開辟了新道路。但是對于序曲《仲夏夜之夢》，門德爾松卻認為這跟《菲德里奧》（貝多芬）使用的是一致的標準，其中最為顯著的差異大概就是兩人之間存在不一致的創作思想。在分析門德爾松鋼琴音樂作品的過程中，我們發現門德爾松對這種藝術創新道路提出了幾點見解。門德爾松在作品中堅持穿插傳統藝術，有一部分人批評門德爾松保守以及傳統。但其實在繼承古典音樂的過程中，門德爾松不是依賴古典音樂或者是抄襲古典音樂，門德爾松保持以下的觀點：要傳承古典音樂，同時還不怎么喜歡只是旋律單一的創作方法。

2 獨立性創作體裁表現

門德爾松的鋼琴音樂作品不僅對古典主義模仿形成限制，同時還制定了古典音樂非常重要的一個標準。在協奏曲體裁上，門德爾松按照實際情況的需要并沒有使用傳統協奏曲所存在的雙呈示部屬性，其實質上使用的是聯合演奏，同時聯合演奏是在鋼琴跟樂隊兩者之間實現融合的基礎上完成的。在選擇題材的過程中，我們分析門德爾松鋼琴音樂作品之后了解到，其創作的首選均是有效地結合古典主義以及浪漫主義的風格特征題材。在上述基礎上才可以促使其作品具備非常顯著的古典主義特征以及浪漫主義風格特征。例如，1829年7月的《蘇格蘭交響曲》（門德爾松），門德爾松前往蘇格蘭愛丁堡霍里路德古堡，結合自己的所觀所想，產生了《蘇格蘭交響曲》的創作靈感。《蘇格蘭交響曲》實質上就是在分析愛丁堡霍里路德古堡典故的基礎上完成，它體現的是古典藝術與現代藝術的結合，以及兩者之間的交織融合。其中存在非常輕快的行板，這是其最為重要的序奏部分，a小調部分的作曲題材表達哀婉的感情，其主要由雙簧管跟中提琴兩種樂器來實現，上述曲調像是在感嘆古堡。在創作作品的過程中，門德爾松一般會將以下兩位杰出人物作為楷模：巴赫、貝多芬。同時，需要以嚴肅的態度對待變奏曲的寫作過程，因為這不是炫耀技巧，也不是玩弄聲音。

3 內涵明確的音樂情感

門德爾松在分析實際情況的基礎上提出關于音樂跟語言相關的美學觀。門德爾松認為，在表達語言難以臨摹的情感的過程中，相比語言音樂可以更為明確地表達出情感，在音樂中需要按照實際情況的需要實現感情方面的具體性。在上述的基礎上，由于門德爾松對音樂保持的態度，因此在實際創作過程中，他一般都會使用音樂來表達思想感情的變化過程。因此，后人才可以很輕易地給他的《無詞歌》中沒有標題的曲子冠名。例如，《春之歌》《浮云》《狩獵》等。

4 結束語

我們在分析門德爾松音樂創作的過程中發現門德爾松非常重視詩意典雅，同時重視表達精確的情感，重視表達音樂的形式美。門德爾松的音樂作品具有非常濃烈的抒彩，其涉及的內容非常通俗，非常容易看懂，同時還具有非常顯著和豐富的繪畫性。門德爾松的作品不會側重于偉大理想或者是偉大的社會意見，同時也不會側重于磅礴氣勢或者壯麗景象。在打動別人的過程中，他抒發的是真摯的情感，所以具有非常典型的浪漫主義代表性。

篇3

如果用一句最簡單的話來形容肖邦給您帶來的感受，您會說什么？

我個人認為肖邦的音樂能溫暖我們的心靈。肖邦讓人聯想到最多的就是詩情畫意，他也是最擅長用最細膩的手法表達情感的一位作曲家。肖邦作品的旋律性完全掌控在他的作品里面。他的音樂非常灑脫、優美、柔情，但最具魅力的一點是他把愛滲透到了藝術里面。無論你是否了解古典音樂，你都會被他的作品感動。我覺得肖邦具有濃郁的東方情懷，東歐的心，西方的肢體。肖邦不僅有柔情似水的一面，也有激情四射的一面。此外，雖然肖邦、李斯特、拉赫瑪尼諾夫都對鋼琴的性能有著別人無法企及的洞察力，但肖邦是唯一一個不寫交響曲就可以躋身大作曲家行列的人。他為鋼琴這件樂器本身的發展做出了不可磨滅的貢獻。

您在五歲時就演奏了肖邦的《小狗圓舞曲》。當您在五歲和三十歲演奏《小狗圓舞曲》時，在心態上肯定會有非常大的差別，但我想知道，在純技巧方面是否也有差異？

五歲時在技巧上還會比較吃力，十歲時完全能夠掌握，但現在經過這么多年我在技巧的表達方式上會呈現更多元的形態。因為把肖邦的作品演奏得很動聽并不難，但在動聽背后是否能動人，情感的豐富就需要去錘煉。比如小時候彈肖邦時你只能體會到他旋律的優美，現在則會感覺到旋律背后所潛藏的酸甜苦辣的情感。

您第一次接觸肖邦練習曲是在什么時候？

我十三歲的時候在一次音樂會中演奏了肖邦全套的鋼琴練習曲。我練習的第一首肖邦練習曲是《黑鍵練習曲》，這首練習曲可以說是我小時候練習最多的一首，因為演奏鋼琴的黑鍵時你的手必須立起來彈，如果手立不好就很容易彈錯音，有點類似踩高蹺的感覺。我覺得小時候練習《黑鍵練習曲》非常有用，非常鍛煉手型。我很期待日后有機會錄制這首作品。

在學琴生涯和演奏生涯中肖邦練習曲分別對您有何不同的影響？

小的時候，練習肖邦練習曲是一種技巧的基礎訓練以及音樂感覺的培養。從技巧層面講，在掌握肖邦練習曲之后確實會讓你的技巧非常扎實。他的二十四首練習曲每一首都有不一樣的技術練習：Op.10的第一首練琶音，第二首練右手的四五指，第三首練抒情性與連音的技巧，第四首練敏捷性，第五首是技術性練習，第六首練左手輕音控制力，第七首練三度和六度之間的跨越，第八首練輕巧度，第九首練樂句的力度增長，第十首練向下的連音技巧，第十一首練琶音，第十二首“革命”練左手；Op.25的第一首練平衡度，第二首練優美的三連音以及六連音對三連音的技巧，第三首練斷句在音樂間走動的線條，第四首練左手跳躍和往上用力的斷音，第五首練幽默感，第六首練雙音，第七首練左手歌唱右手伴奏，第八首練六度雙音，第九首練連音加斷奏以及右手對鍵盤低音密度的掌握，輕音里跳音的控制，第十首練八度，這首曲子特意增加了一段抒情元素，為了能讓手休息一下，為接下來強度比較大的第十一和十二首沖刺階段進行準備。由此可見肖邦的練習曲針對技巧練習安排得非常巧妙。肖邦的練習曲讓我在學生時代積累下扎實的演奏技巧，隨著年齡的不斷增長，通過學習肖邦的其他作品以及學斯特、舒曼、門德爾松等作曲家的音樂都在不同程度上加深了我對肖邦的理解。我認為如果一位鋼琴家沒有風格多樣的曲目積累，僅僅是“就事論事兒”的演奏，是不可能成為大師的。

通常情況下，練習曲這種體裁相對都比較枯燥，而肖邦的練習曲卻十分具有詩情畫意，這點您如何評價？

全世界有這樣幾位作曲家的練習曲都很經典，他們為演奏者提供了全方位的練習——肖邦、李斯特、拉赫瑪尼諾夫、斯克里亞賓、德彪西。其中肖邦的練習曲憑借其優美的旋律性無疑是最廣為人知、影響力最大的。肖邦本身就是一個追求旋律歌唱性的作曲家，他的所有作品都非常具有歌唱性。但是我認為Op.25里面的第十一首更偏重于技術性，還有《大海》、以及Op.10中的第一首，這三首是肖邦練習曲中純粹技術訓練的典范，其他練習曲都不是純粹型練習曲。

也就是說肖邦在創作練習曲時可能并沒有完全把純技巧放在第一位？

我猜測他在創作第一首練習曲時可能是抱著純粹練習技巧的目的，后來逐漸增加了練習曲的歌唱性。

肖邦的練習曲曾多次被改編為跨界音樂，包括卡雷拉斯在內的很多藝術家都重新演釋過不同版本的詮釋，您是否也有過類似的嘗試？

我們這次在這張唱片的附贈曲目中就將練習曲《離別》改編為聲樂版本。我覺得非常動聽，讓大家有了不同的音樂感覺。這種跨界的改編手法非常奇妙，我并不排斥。

在肖邦的全部作品中，鋼琴作品占到99%，您是否認為比起其他的作曲家來，肖邦的創作才華相對“狹窄”？

毫無疑問，肖邦是一個鍵盤天才。他的音樂早已超越了一般意義上的鋼琴作品。鋼琴作為一種鍵盤樂器最難的就是如何通過合理的技術手段去表達弓弦樂器所擅長的抒情性，大部分作曲家并不能真正攻克這道難題，但肖邦具備這種超強的能力。從這個意義上講，正因為肖邦作品創作體裁的相對“狹窄”才大大推動了鋼琴藝術的發展。他的鋼琴音樂是任何一位鋼琴演奏家的必需品。

對正在學習肖邦練習曲的琴童們，您有哪些建議？

我建議大家一定要有對比地去練習這套曲目，比如先練一首快的，再練一首慢的，這可以稱為一種對比性練法。另外，一定要徹底掌握車爾尼練習曲以后再去學習肖邦練習曲，不要急于求成。練習的過程中一定要慢練，先單手練，再一起練。不要盲目地練習，要先徹底攻克每首作品中的技術難點。一定要先掌握技術，再逐步加深其中藝術性的元素，最不容易的就是把練習曲演奏“清楚”。

您作為一個天才型的鋼琴家，在學習掌握鋼琴技巧時，更多依賴的是理性還是感性？

每位鋼琴家都會有各自的思維方式。我自己認為理性與感性要在不同時刻都發揮作用。理性的控制肯定是利大于弊，因為你要理性地去思考問題出在哪里，然后發現問題，再去解決問題。作為我個人來講，我小的時候在學習重跳音時感覺比較難掌握，這項技巧的學習過程需要投入更多的精力。比較輕的速度對我來講容易一些。和弦和音階必須練，有些人彈八度本身就好，這得益于他們先天的良好機能，但是十六分音符的快速演奏是可以通過刻苦訓練掌握的。還有的演奏家遇到越難的作品越亢奮，會輕易攻克技術難點，有的則無法逾越，這與他們各自的心理素質也有很大關系，但我覺得總體來講純技巧都可以通過刻苦訓練去掌握。

在選擇唱片曲目時，您個人的意見能占到多大比重？

以這張唱片為例，所有的曲目都是由我來選擇的，雖然也會和唱片公司的工作人員進行一些會議溝通，但是我對自己的唱片錄音曲目選擇擁有絕對的控制權。

除了傳統曲目以外，你會去選擇一些相對現代派的鋼琴作品嗎？

一定會。我對近現代的作品非常感興趣，目前也正在籌備一些相關的作品錄音，因為保密原因我暫時不方便透露具體是哪位作曲家。我覺得開拓曲目是每一位鋼琴演奏家的義務，鋼琴家不能只錄制一些在商業方面有銷量保證的作品，還要引導樂迷去欣賞那些很有藝術價值但未必得到足夠重視的音樂。

您是否愿意接受當代作曲家題獻的鋼琴作品？

我非常愿意。但是必須具備幾個前提：我必須和這個作曲家有一定的緣分，他們的藝術價值觀和我自己能夠產生共鳴。這種合作屬于可遇不可求，比如肖斯塔科維奇與小提琴大師奧伊斯特拉赫之間的合作。例行公事的作品題獻與合作毫無價值。我一直在等待合適的作品。

您現在已經是國際古典音樂界一個ICON（偶像）式的人物，我們都生活在互聯網這樣的大背景下，這讓您在推廣古典音樂時會有哪些新想法？

現在的互聯網時代應該介紹更多的古典音樂會以及作品欣賞。利用互聯網來給更多沒有機會了解古典音樂的人去上一些普及古典音樂的課。很多想學習了解古典音樂的人都可以通過互聯網這種媒介去得到他們想了解的信息，我們也會通過這種便捷的科技手段讓古典音樂這門古老的藝術煥發青春。

這幾天在北京的各項活動期間，我看到您會抓緊一切時間去研究作品總譜。作為一位掌握了大量曲目的鋼琴家，同時又需要出量的社會活動，您通常需要多長時間去準備曲目？

我會有所側重地去選擇性練習。演出場次多的曲目可能相對就少練一些，把更多時間放在新準備的曲目中。我一般苦練的曲目并不完全是我正在演出的曲目，如果你的精力都被熟悉的曲目占用，將會非常危險。你今天新積累的曲目是為了日后的舞臺演出，今天的藝術積累實際上是依靠昨天的刻苦付出，這是一個良性的循環往復的過程。

作為施坦威鋼琴的專屬鋼琴家，您與頂級鋼琴調音師一定有過很多的共事。您是提出要求期待他們來實現，還是也會考慮調音師的意見？

通常調音師主要是聽演奏家的意見，因為他們事先都會和演奏家進行充分的溝通，了解他們的需求。這一般都不會太費勁，因為音樂會選用的鋼琴都是頂級鋼琴，而且他們都具備很高超的調音技巧。但是要想讓每臺鋼琴都達到統一的要求，也并不輕松，因為每臺鋼琴的保養環境并不統一。如果作為演奏琴，必須每周都要進行專業調音，使它始終保持在一個良好的狀態。日常維護非常重要。

您曾經說過中國雖然擁有數千萬的琴童，但是優秀的鋼琴老師非常稀缺。您覺得與國外同行相比，中國鋼琴老師最大的差距在哪里？

首先是中國學習鋼琴的琴童基數與優秀教師的數量嚴重失衡。中國鋼琴老師的總體差距主要是對作品的風格掌握相對單一化、技術方法有問題、對音樂作品的意境味道存在著一些地域性的理解限制、教師整體的知識層面相對偏窄等等。這些整體性的問題糾正還需要一定的時間。另外一項較大的差距在于很多國外的鋼琴教育家同時還是一位擁有豐富舞臺演出經驗的鋼琴演奏家，這點至關重要。鋼琴教學是一門要求施教者必須擁有實戰經驗的藝術學科，只有教學者本人具備了豐富的演出經驗，才能對教學曲目產生深刻的理解，紙上談兵式的教學是缺乏靈性的。

我想打個比方：如果一個外國人在國外教京劇，他的教學水平可能永遠達不到國內本土京劇老師的教學水平；同理，您認為中國的鋼琴老師通過努力是否可以達到國外的鋼琴教學水平？

我覺得隨著對外教學交流機會的不斷增加，再經過我們不懈的努力，肯定會逐漸縮小上述差距、最終達到具有國際級的教學水準。但我必須強調一點：鋼琴教學水平的提升，并不等同于我們就能培養出更多世界級的鋼琴演奏家。一位鋼琴家的成功，需要太多綜合因素的累積。

您的“郎朗音樂世界”會引入哪些國際優質鋼琴教學資源？

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第三，掌握古典音樂與流行音樂相結合的“度”，做到恰到好處。在講到柴科夫斯基的鋼琴套曲《四季》時，我選取了幾首代表性的作品進行賞析。如欣賞著名的《六月——船歌》時，我在播放完作品后，播放了周杰倫創作的歌曲《琴傷》的MV，頓時班上氣氛十分活躍。在這首歌里，《六月——船歌》的主題旋律成了主線，《土耳其進行曲》的旋律在間奏中出現，將古典音樂與流行音樂做到了恰到好處的結合。通過這首歌曲的欣賞，我相信學生課后一定會對《六月——船歌》這首作品記憶深刻，并能夠對鋼琴套曲《四季》產生自發的興趣。

第四，與時尚元素的結合可以引起更多關注。眾所周知，韓國電視連續劇在我國擁有大量的觀眾，有些劇目中在古典音樂的引用方面與劇情、主人公的表演、畫面的處理等也較巧妙，給人留下深刻的印象。我抓住這個特點，在課上設計了一個讓學生們分組展開討論的環節，回憶在了解的韓劇（或日劇）中有哪些片子引用了古典音樂作品，并且寫出劇名和作品的名稱。隨后學生們踴躍討論，紛紛走上黑板寫出了實例，一些韓國的留學生更是熱情高漲，用不太熟練的漢語和英語表達著他們的意思。那節課的內容是肖邦的鋼琴音樂作品，于是我播放了他的經典作品《第一鋼琴協奏曲》，并在介紹凄美的第二樂章時引入韓國電視劇《天國的階梯》中悲劇結局的畫面，既讓學生回憶起這個動人的劇情又熟悉了這個樂章的感人旋律。肖邦的另外一首作品《離別曲》，在韓劇《藍色生死戀》中也有長篇的引用，充分烘托了主人公的離別之苦和男主人公對女主人公即將辭世的心痛之情。通過這樣的引用，我發現學生聽講更加投入，并且思維活躍，增進了課堂上師生的互動。

第五，名人傳記的電影及經典影片與音樂相結合也是課堂上經常涉及的內容。講到肖邦，我談到了電影Pianist（《鋼琴家》），將整部電影的原聲大碟放給學生聽，這個在二戰期間一個猶太鋼琴家艱難生存的故事深深打動了每一位在場的學生，尤其是那首著名的《g小調第一敘事曲》和《平穩的行板與輝煌的大波蘭舞曲》，結合故事情節和劇情插圖，勾起了看過這部片子同學的更多回憶，沒看過的同學對這部電影和用做配樂的兩首鋼琴曲產生了濃厚的興趣。同樣的方式，我還用在了介紹拉赫瑪尼諾夫的《帕格尼尼主題狂想曲》，它的第十八變奏在美國經典影片《時光倒流七十年》中曾被引用；他的《第三鋼琴協奏曲》和《野蜂飛舞》在電影Shine（《閃亮的風采》）中被引用；著名大提琴演奏家杜普蕾的傳記《她比煙花寂寞》等，這些都不經意間成為了課堂的亮點，給學生們留下深刻的印象。

第六，注重演奏版本的選擇。在素材的選擇上，首先考慮選擇較為權威的演奏版本，并盡量做到兼顧國內外的演奏家，從資深大師到年輕的國際大賽獲獎者，包括霍洛維茨、阿格里奇、巴倫博伊姆、席夫、基辛、郎朗、李云迪、陳薩等。郎朗陶醉又投入的肢體語言、巴倫博伊姆嚴謹的演奏風格、阿格里奇的獨特個性處理，甚至演奏家的習慣癖好等都會引起學生的關注并得到各種反饋。有時也會提及一些鋼琴家的個人經歷，比如我們一般人都不太會了解的阿格里奇的生平與感情經歷、巴倫博伊姆與杜普蕾的傳奇故事等，由此又引申出了更多的欣賞片段和更多的話題和故事。

篇5

音樂藝術的長久發展，必須建立在健康和適應的文化環境中，正如中國古典音樂中，有詩詞韻律這樣的內在基礎，也有琵琶古箏等民族樂器的外在表現形式，這是幾千年中國文化歷史演變之下的藝術產物，這種音樂表現形式，和儒家的宗教哲學體系的內涵是一致的；同樣，西方依靠自己的文化背景發展出了篇幅較大、氣勢恢宏、邏輯清晰、敘事強烈的交響樂。只有適應的文化土壤，才能幫助音樂在新的時期獲得新的生命力和創造力，才能利用新的藝術文化背景發展出新的偉大作品。因此國內鋼琴音樂教學的本土化推廣，就是給鋼琴藝術的進步奠定基礎，其中最具體和最關鍵的一環，就是對民族民間音樂的挖掘、改編、創作和練習。

一、民族民間音樂在高校音樂教學體系中的現狀和原因分析

1.教學現狀和問題

近年來，隨著國內藝術文化教育的不斷引進和發展，鋼琴藝術的教學已經成為很多高校音樂教學體系中重要的一個部分，其中民族民間音樂也在一定程度上參與到鋼琴教學中來，國內的鋼琴比賽中也會將國內音樂作品作為硬性指標。但是強制的規定并不能夠真正引起師生的興趣，可供教學和練習的國內改編的鋼琴曲，無論是數量上，還是質量上，都和國外鋼琴曲有不小的差距。經一項山西省內針對高校鋼琴專業學生的調查研究可知，通過民族民間鋼琴音樂作品的練習和訓練，能夠有效培養學生對于音樂的理解，提高學生的鋼琴技巧。但是由于可供選擇的民族音樂鋼琴曲有限，教師在日常教學過程中，依然選用西方歐洲的大型鋼琴曲，并對國內的鋼琴曲抱有偏見，整體看來，鋼琴藝術的高校教學活動中，民族民間音樂的地位不高，有待進一步發展和應用。

2.具體原因分析

第一、鋼琴教學體系不完善，由于鋼琴是舶來的音樂藝術，與西方完善的發展體系相對比，國內的鋼琴藝術無論是音樂作品，還是教學方式，都較為薄弱。現代高校的音樂教學過程中，還要向西方學習他們的體制和管理方式。①此外，由于信息技術的不斷發展，國內外音樂交流如比賽、演出類的機會日益豐富，國內的教學工作者傾向于直接借鑒國外的教學經驗，而不是根據國內的具體國情和文化性質，西為中用，發展我們自己的音樂教學方式，而教學體制的質量水平，決定了我國音樂演奏的普遍水平，現代國際音樂領域，技法最高超和技術最優秀的演奏家，也是國外占大多數。第二、相關民族民間音樂鋼琴音樂創作作品少。與歐洲在18、19世紀古典音樂繁榮發展不同的是，我國的鋼琴藝術的訓練近代才被引進，真正的全民教學活動也是近年來才開展，由于鋼琴音樂并非在我國文化藝術土壤之上成長出來，因此國內對于鋼琴的理解還依賴國外的藝術理論和分析研究，這就在一定程度上限制了國內鋼琴藝術的發展和教學活動的開展。目前為止公開發表過的國內的鋼琴樂曲，據不完全統計僅有400多首，高校平日會在教學訓練中使用到的是其中的100多首，其中的大部分作品，是從中國古典音樂和民間音樂中改編而來的，如《梅花三弄》、《上去高山望平川》、《茉莉花》、《牧童短笛》等等。此外，這類作品雖經過改編，卻依然保守中國傳統音樂性質、結構、文化和風格的影響，真正的可與西方宏大的鋼琴變奏曲相對抗的作品，幾乎可以說沒有。民族民間鋼琴曲的量少質不高，限制了高校的鋼琴教學活動和創造。第三，中西方文化特征對比，鋼琴曲創作的本土化困境。文化歷史決定意識形態，意識形態反映了文化歷史。在工業化大生產之前，中西方的文化和經濟形態截然不同，因此在各自的文化背景之下，形成了風格迥異的美術、詩歌和音樂。就音樂形態而言，中國的古典音樂結構以散體性和線性結構為主，章節之間可各自獨立，表現方式和具體情景相結合，情感的發展演變是主要推動力；而在西方的藝術形態下，音樂獨立成章，邏輯性很強，并且按照“對立統一”的原則組建結構，開篇展現矛盾，而后激化矛盾、解決矛盾、結尾升華等循序漸進，是一個整體。②在這樣的基礎背景之下，想要將原始的民族民間音樂和傳統的鋼琴教學相結合，困難重重，因此想要在鋼琴領域發展我國的民族民間音樂，首先就要進行本土化的創新，加強中西方音樂藝術的內在聯系，提高文化的銜接性和兼容性。

二、推動民族民間音樂在高校音樂教學中的重要性研究

1.鋼琴教學本土化的具體要求

鋼琴教學，已經成為我國高校音樂教學體系中重要的一環，因此促進鋼琴教學的本土化成為不可忽視的問題。一方面利用鋼琴教學的全民熱度，提升民族民間音樂的認知度，提高民族音樂的層次性，按照上文所述，民間音樂在適應鋼琴藝術的過程中，需要不斷改編和創新，從而實現音樂層面的“中西結合”；另一方面，高效鋼琴教學的民族化呼聲甚高，保存民族文化代代相傳，是每一個藝術從業者不可推脫的責任，音樂來自民間，更要回到民間。我們的藝術有自己的根源和基因，只有充分利用自己的長處來發揮藝術的創造性，才能不斷除舊立新，突破體制的阻礙，發展出更加優秀的作品。

2.鋼琴音樂自身發展的內在要求

現代的鋼琴音樂教學，不僅僅我國延續了向西方古典音樂學習的方法，國外也持續著傳統保守的教學體制，現代高校體制下進行鋼琴研究學習的對象，始終以十八世紀被譜寫出的經典樂譜為主，國際大賽的參賽項目也是如此，因此鋼琴文化藝術的發展，需要國內外民族文化的共同推動。鋼琴的文化內涵和意境，在不同時代應當被賦予不同的特性，現代社會在電影、音樂等藝術領域，都有了各種突破，樂器作為背景、配樂也有了新的生態和傳播方式。③在現有的教學體制中，將民間音樂藝術，和商業化的產品相結合，如為影視作品設計背景音樂等，能夠幫助鋼琴音樂在具體背景和結構下，產生堅實的依托。

三、民族民間音樂在高校鋼琴教學中的具體策略

1.提高民族自信，堅持本土化教學

中國高校廣大鋼琴教育工作者們，肩負著培養下一代接班人的重要任務。大學期間正是學生完善個人價值觀、人生觀、世界觀的重要環節，音樂的熏陶幫助他們不斷在藝術文化領域汲取知識和信仰。我們要始終堅持培養有民族意識的學生，因為只要懷有對自己民族的自信和自豪，才能從音樂之上回歸到生活之中，鋼琴的學習和演奏憑借的不僅僅是指法技巧、琴鍵質量，還需要演奏者對于生活和個人的思考，在最廣大人民群眾的衣食住行中，在自然森林的影響之下，都有哲學的思考和本質之聲。學生在高校中能接觸到的音樂范圍越廣，越能夠在日后從事的行業和工作中，聽從內心的聲音，找到最適合的音樂，民族和民間音樂的改編和創作活動，應當由每一個有使命感的演奏者不斷堅持下去。高校教學過程中，通過課堂上的民族藝術演繹，將東西方音樂理論進行分析比較，參加相關的音樂活動的創作，不斷將民族化的精神和理念傳遞下去。

2.完善教學體系，擴充教學內容

與國外高校的鋼琴教學體制相比較，我國的鋼琴教學還有很大的差距，相關的教學教材完全引進，而且沒有形成有民族特色的教學理論，可訓練的民族音樂鋼琴音樂和極少，等等。以上的問題出現，除了中西方基本音樂文化不同，且鋼琴音樂“中化”時困難重重之外，還因為我國鋼琴教學發展進程晚，速度慢有關。因此，為了提高高校的鋼琴教學質量和教學方法，需要完善相關的教學理論，根據不同的音樂內容、音樂評級標準、音樂表現形式等構建一個完整的體系和結構，并且在其中納入中國民族民間的音樂作品，提高學生的鑒賞能力和演奏能力。④此外，為了完善鋼琴音樂在中國發展的基礎，應當鼓勵民間從事鋼琴音樂的改編和創作，形成自己的作品。通過高校之間的合作，提高教學資源的配置效率，增加教學培訓和合作，鼓勵新的音樂形式的展開，也通過開放的教學環境促進教學活動更有活力。

3.調整課程體系，擴充民族音樂

要想通過課程教學和指導訓練，將民族民間音樂徹底融入到鋼琴的教學活動中，就需要教學工作在日常傳統的教學體系之外，增加一部分民族音樂的教學活動。⑤如“民間音樂作品賞析”、“中式古典樂器講解”、“古典音樂的結構和特性研究”，學生只有真正掌握了民族音樂的特性和來龍去脈，才能在可能的將來對鋼琴樂進行創新時，真正把握民族音樂的內涵，創造出有生命力的作品，并不斷提升學生對于民族音樂的賞析能力，提高民族文化的自信心。

四、結語

中國高校的音樂教學方式，在經歷了幾十年的發展之后，雖然在具體的教學體制、教師資源、硬件設施等方面有了極大的提高，但是鋼琴音樂的文化軟實力一直有待升級。鋼琴雖然是自歐洲傳入的一種音樂藝術，但是在國內受歡迎程度不低于任何一種傳統樂器，這種現象的而背后展現的是人們對于這一種音樂形式的欣賞和認可，但是又從側面展現了我們自己的文化不自信。高校的音樂教學作為我國文化藝術教學的前沿，始終把持著教學方向，要堅持發展自己的文化，提高對鋼琴文化的認識，并且將這種藝術作為弘揚民族民間文化的一種工具，通過音樂的創新，教學方法的改革，提高我國文化軟實力。

注釋：

①康澤云.中國民族民間音樂在高校鋼琴教學中的應用[J].黃河之聲,2016(12).

②楊柳.高校鋼琴教學中中國民族民間音樂的應用分析[J].大眾文藝,2016(15).

③王旭妍.中國民族民間音樂在高校鋼琴教學中的比重研究[J].科技經濟市場,2016(6).

篇6

一、室內樂教育在高校教育的重要性

目前在我國師范類高校，鋼琴和聲樂已經普遍成為了每個學生的必修課程。聲樂教育和鋼琴教育在師范類高校已經有了很多好的教學方法和教學理念。但是并非每一位考上大學的考生學的都是鋼琴專業或聲樂專業，還有相當一部分同學自小學習的是小提琴、長笛、薩克斯、小號等樂器，鋼琴和聲樂學習固然重要，但是自己從小學來的專業要更加努力的深造。主修聲樂和鋼琴的同學也要在自己的專業基礎上學習一門器樂來補充自己的音樂特長。

室內樂是一門音樂藝術，更是一門合作的藝術，最早的室內樂是家庭式的小型音樂會，后來我們把小型器樂重奏和小型器樂合奏統稱為室內樂。在高校開展室內樂演奏不僅僅是在教室學習和練習，更要把學習的成果拿出來以音樂沙龍，小型音樂會的形式面向校園廣大師生。這樣既提高了音樂專業學生的舞臺表現能力與合作能力，又讓其他非音樂專業的學生感受了高雅音樂，提高了學生的綜合素質。

與大型交響樂團和大型音樂體裁的音樂作品相比，室內樂是高雅音樂走進大眾的最好形式。這樣一個好的演奏形式，不需要豪華的燈光、專業的音響、專業的舞臺，一間小型房間或教室就可以作為室內樂的演奏廳。但是由于中國音樂教育在室內樂方面的缺失，音樂教育者和音樂學習者對室內樂音樂的不夠重視，人們對室內樂缺乏了解，普遍認為只有登上大舞臺的音樂才是音樂。殊不知室內樂的技術含量極高，音樂又非常親民，可以近距離聆聽完全原汁原味的音樂。

二、如何在師范類高校開展室內樂教育

進入21世紀以來，中國一些一類大學開展了室內樂課程，比如清華大學、中國人民大學、上海大學等，從這些學校開設的經驗來看首先將室內樂納入學生獲得學士學位的必修課程之中，有的院校引進了國外優秀的音樂家，在這個基礎上成立了教師室內樂團，作為室內樂教學的主體和表率，再加入專業水平比較高的學生組成師生室內樂團，這樣由老師帶學生，慢慢再由老生帶新生，把室內樂學習帶動起來。

很多人提到古典音樂，第一個想法就是不懂。記得有一次在中央歌劇院上演普契尼的歌劇《蝴蝶夫人》我邀請朋友一起去看，朋友是音樂外行，幾度推脫說沒聽說過普契尼，也沒聽過歌劇，只看過演唱會，筆者就耐心勸解道：“有很多美食你沒聽說過，也不知道怎么做，但不代表你不能去品嘗美食，享受美食”。音樂也是這樣，古典音樂雖然織體豐富，技術難度很高，但對于聽著來說只用去仔細聆聽就夠了。

在師范類高校開設室內樂課程，首先必須要求所有器樂主修的學生作為必修課參加，器樂選修的可以作為選修課參加。民國教育家陶行知先生有一套非常好的教學理念“教、學、做合一”，用在室內樂教學是在恰當不過了。

（一）“教”的首要條件是選定教材，因材施教，要求教師系統的選擇購置專業書籍、學術文獻、樂譜、音像資料。在實際教學中分兩步：第一，要嚴把學生的專業水平關，一個良好的音樂演奏者可以決定一個曲目演繹的精彩程度，能否完美地詮釋音樂很大程度上看學生自身的專業演奏基礎，這就像寫文章一樣，漢字是基礎，學生的演奏水平也是室內樂演奏的基礎；第二，在室內樂排練的時候，老師要對課上所排練的音樂進行細致的課前準備，認真備課，把音樂的曲式、樂句、演奏風格等都要仔細把握。

（二）最好的“學”就是興趣，搞器樂演奏的同行都有這個體會，器樂的日常練習枯燥無味，日復一日的“長音”練習、“音階”練習，但這恰恰是學好樂器的唯一“捷徑”。而室內樂則可以把大家的這種枯燥練習化成果實，同學在老師的輔導下演奏出一首首精彩的曲目，使之提高學習音樂、學習器樂演奏的興趣。室內樂演奏來源于西方，西方人的文化是大家分工不同而達到的目的是一致的，這就體現在室內樂上面，學生演奏的分工不同，目的卻是為了一起演奏出精彩的音樂。

（三）“做”在室內樂學習中的體現有兩個方面：第一，認真對待室內樂演奏的學習，課下認真練習下一節課要排練的曲目，認真揣摩樂曲的思想、樂句和演奏風格，在課上排練的時候，認真聽老師對樂曲的分析，演奏的時候不但要演奏好自己的聲部，還要仔細聆聽別的同學演奏的聲部，別的同學演奏的音色，要盡量使自己聲部的音色向合奏音色集中，樂段的劃分要清晰，樂句的演奏要統一。在音樂的幾大要素：音準、節奏、音色、感情上面要與其他參與演奏的同學保持統一；第二，室內樂學習不是只在排練教室里“自娛自樂”，學習音樂的目的是把音樂演奏給別人聽。任何樂手在初次登臺都會緊張，上下臺會不自如，演奏的時候因為緊張而導致音準失衡，節奏紊亂，這都是正常現象，會隨著登臺次數的增多慢慢消失。我國小提琴大師呂思清在參加一次音樂會的時候，就被問及是否在演出的時候發生過意外，呂思清毫不避諱的說，“在一次演出時，琴弦意外的拉斷了，演奏中斷，是我老師幫忙把琴弦換上的，期間還不停的安慰說別緊張，別緊張”。呂思清一點也不介意和大家分享自己當年的尷尬往事。

（四）培養合作意識對于學習演奏室內樂的意義十分重大，西方音樂不同與中國音樂，中國音樂大都是“橫向”音樂，只注重旋律的優美，忽視聲部的交織、襯托；而西方音樂是“縱向”音樂，音樂的進行就是和聲的進行，對于聲部要求很嚴。演奏室內樂最難的恰恰是既突出每個樂器的個性，又要使每個樂器達到和諧共融的效果。

在師范類院校應該有“兩臺工程”，什么意思呢？就是師范類院校的音樂專業學生要能上的了舞臺，上的了講臺。上講臺是對每一個老師的基本要求，上舞臺則需要經驗的積累，切不可因為一次兩次緊張發揮失常就害怕上舞臺。

三、如何在師范類高校推廣室內樂

室內樂是高雅音樂，肖邦是鋼琴詩人，創作了大量旋律優美的鋼琴曲，但是在室內樂領域成就極少。在廣義古典音樂里，有許多成就斐然的音樂家，但是在室內樂領域的有杰出貢獻的音樂家卻沒有那么多，下面我列舉幾個我個人心目中的室內樂音樂大師：海頓、莫扎特、貝多芬、舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等。前三位是古典音樂三杰，后三位是浪漫主義音樂大師。在高校推廣這門高雅藝術既可以提高演奏者對古典音樂的把握，又可以提升欣賞者對音樂藝術的鑒賞能力。

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在大學教學中開設音樂教學課程，并將古典與流行結合起來，對提升學生的音樂鑒賞力和綜合素養有積極的促進作用。教師在教學中要及時總結經驗，探索古典與流行結合的路徑，從而提升其教學效果。

一、大學音樂教學中古典與流行的關系

關于古典音樂，至今還尚未有明確的的界定，其概念還比較模糊。但是就人們的一般認識來看，普遍認為具有較強的持久價值的音樂，即為古典音樂。古典音樂能夠得以流傳，說明其自身具有較大的優勢與價值。現代音樂則有明確的界定，在相關的音樂書籍中，就對其進行了明確的定義與界定。所謂流行音樂就是指：具有通俗易懂、易于流傳等特點的大眾音樂。尤其同古典音樂和民間音樂等形式的音樂相比，流行音樂中更加強調對現實生活中的質樸、簡單的感情世界，其表現形式更加直接與現實。換言之，流行音樂更加注重演唱者、聽眾的感情宣泄與交流。這也就導致流行音樂往往就比較短小精悍，且音域相對窄小，適合傳唱。這也是流行音樂在現代社會中獲得人們廣泛喜愛的主要原因之一。雖然古典音樂和流行音樂從其表演形式存在一定的差異，但是從其基本構成方式來看是一致的。其主要是在節奏、音高以及和聲等方面都保持較高的一致性。在處理情感表達上也存在一定的一致性，二者都是對人們內心世界情感的表達。因此也可以認為，從本質角度出發，古典音樂和流行音樂具有高度的一致性，只是二者的表現形式存在差異。在當前的高校音樂教學中，可以將古典音樂和流行音樂二者有機聯系起來，并進行合理的應用。就當前社會中傳播的音樂實際情況來看，古典音樂和流行音樂出現比較明顯的融合的趨勢。有很大一部分古典音樂家都能進行不同程度的革新，并能在其古典音樂中應用一定的流行因素，從而能夠使古典音樂呈現出新的面貌與生命力。比較杰出的代表就是鋼琴演奏家理查德•克萊曼。他就在鋼琴演奏中應用了流行音樂的演奏形式，通過實踐證明，應用流行音樂形式演奏古典音樂獲得較好的效果。在當前的社會環境中，大學生的音樂素質還存在一定的缺失與問題，而且大學生容易受到外界環境的干擾，對大學生的成長與發展有消極的影響。在大學音樂教學中將古典與流行結合起來，加強對學生的熏陶，培養與提升其音樂素質。在教學中還要盡量協調好古典與流行之間的關系。

二、大學音樂教學中古典與流行結合的作用

（一）豐富學生知識體系

豐富的知識對促使大學生得到綜合素質培養發揮著重要的作用，而音樂教學能夠有效輔助學生塑造健康的人格。在大學音樂教學中，通過將古典與流行結合起來，使學生在學習的過程中能夠學習更多的音樂知識，從而能夠使其知識體系更加豐富。大學音樂教學中，通過將古典和流行結合起來，也可以促進學生思想意識、思維能力與藝術審美能力的提升。

（二）提升學生綜合素養

在大學音樂教學中將古典與流行結合起來，二者具有不同的特色與特點，在表現形式、受眾等多方面都存在差異。在教學的過程中，教師能夠積極的對其教學內容、教學形式進行探索與改進，可以采用現代流行音樂的表現形式，來對古典音樂進行改編。同時，也培養了學生的思維能力與創新能力，從而提升學生的綜合素養。

（三）完善課堂教學活動

教師在大學音樂教學中將古典與流行結合起來，需要對教學內容、教學方法以及教學形式等進行整合。教師對教材進行深度解讀，并根據教學內容的需求設計合理的教學活動，應用多種教學工具，從而不斷完善其課堂教學活動。這也可以使教學形式更加多樣化，從而激發學生參與教學活動的積極性與主動性。

（四）提高音樂教學效果

在大學音樂教學中將古典與現代結合起來，教師在教學的過程中，將教學資源整合，并能將古典音樂與現代音樂的教學方法、教學方式以及教學內容進行深入的分析與探索。在課堂教學中，教師能夠以學生更容易接受的教學形式，將教學內容呈現出來，這樣學生才能夠更好的投入到音樂學習中，并能在教師的引導下學習相關的知識，從而能夠有效的提高學生的音樂鑒賞力，并實現高校開設音樂公共課程的教學目標與教學效果。

三、大學音樂教學中古典與流行的結合路徑分析

（一）完善大學生對古典音樂認知

就高校當前的音樂教學情況來看，在教學的過程中學生更加傾向于學習現代流行音樂知識，對古典音樂還存在一定的認識誤區，認為古典音樂的藝術價值較高，但是在現代音樂欣賞中已經過時。因此，在教學中學生對古典音樂教學不感興趣，缺乏主動積極的學習態度。大學音樂教學是為了能夠全面提升學生音樂素養，并能促進其綜合能力的培養。這就需要教師在教學的過程中，能夠加強學生對古典音樂的認識，并積極的引導大學生轉變對古典音樂的態度。教師可以引導學生聯系生活實際。例如，教師可以向學生提問：“同學們在火車站、汽車站的時候是否通過這樣的樂曲（播放尼基•肯尼基的《回家》），聽到這樣的旋律與音樂是不是就更加能夠感受到家的溫暖，是不是會產生立刻回到家的想法呢？”接著，教師就可以向學生介紹，這個被廣為流傳與播放的樂曲就是尼基•肯尼基的《回家》，是典型的古典樂作品。這樣通過設問以及潛移默化的教學方式，逐漸引起和培養學生對古典音樂的興趣，使其逐漸開始喜歡古典音樂，并使其在古典音樂教學中也能夠主動積極的參與到教學中，從而提升其音樂素養。

（二）實現古典與流行音樂教學內容結合

隨著時代的不斷發展與變化，人們的審美情趣等都會出現一定的變化，為了能夠更好的適應時代的變化，古典音樂也要隨著時代的發展而不斷變化，積極地進行創新。在當前的演奏中，比較經典的就是女子十二樂坊在其演奏中對其曲風進行的再演繹與改變，以及對其演奏樂器進行的創新。古典音樂能夠流傳至今，說明其自身具備了較高的藝術價值，但是要想使其能夠不斷傳承下去，就需要及時對其演奏方式、表現形式進行轉變，從而能夠吸引學生的關注，并能夠通過實現古典與流行的有機結合，從而促進音樂的不斷發展。

（三）改進完善傳統音樂教學形式

要想在大學音樂教學中促進古典與流行的結合，不僅要使音樂教學的內容進行有機結合，還要對其教學形式進行改進與創新。要轉變傳統的教師教學生學的教學模式。可以在教學中應用先進的信息技術，通過多媒體的形式將相關的音樂素材、資料呈現出來，使學生能夠實現聽、唱結合；同時，還可以加強教師同學之間的交流，加強學生的情感體驗，從而能夠有效的提升教學質量與教學效果。

（四）調動學生音樂融合與創新積極性

學生產生學習的興趣，才能促進教學工作的順利開展，因此要求教師在教學的過程中，能夠充分的調動學生學習音樂知識的積極性與主動性。在教學的過程中，教師要充分尊重學生的學習主體地位，充分發揮其主觀能動性，能夠對教師提供的音樂素材進行深入的理解與體驗，能夠幫助學生形成古典與流行有機結合對策的心理與認知。另外，還要使學生在其學習的過程重要進行不斷的創新，從而可以有效的擴展其視野，并能激發其參與音樂教學的積極性。

四、結語

在大學階段開設音樂教學課程，對促進大學生的綜合素質教育有著重要的意義，這也就要求在其教學中能夠實現古典與流行的有機結合。就當前的大學音樂實際教學情況來看，教師在教學中還應該不斷對其教學方式與教學模式進行改進，使學生能夠正確的理解古典音樂與流行音樂二者之間的關系。并能夠合理的應用多媒體等現代教育教學手段，對其教學方法、教學手段進行完善，對其教學課堂教學結構進行優化，從而能夠不斷提升學生的音樂素養，進而不斷提升學生的綜合素質。

參考文獻：

[1]張文利.大學音樂教學中古典與流行的結合研究[J].赤峰學院學報(自然科學版),2012,(20).

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由此可見，本院音舞專業的舞蹈教學在課時量和學分的設定上都以舞蹈基礎的教學為重心，特色內容是有針對性的民族民間舞訓練模塊，并不追求對某種舞蹈的高精度學習，更注重多種多樣豐富的教學內容。

二、高師音樂舞蹈教育中鋼琴伴奏的現狀分析

現狀調查：目前，音舞專業舞蹈課中的鋼琴伴奏教材都基本使用專業舞蹈的伴奏教材。這些教材中的部分音樂是可以直接用于我們的課堂的，但有半數以上的音樂是為專業舞蹈而作的，不適合我們的舞蹈課程。音舞專業學生的音樂理論基礎薄弱，舞蹈基礎能力有限，復雜的專業性強的音樂會成為他們的負擔，并不能讓他們體會到樂與舞的和諧之美。那我們的課堂現狀有什么問題？學生對鋼琴伴奏有什么希望和建議？鋼琴伴奏究竟該往哪發展？筆者針對這些問題對四川音樂學院音樂舞蹈專業學生做了一次問卷調查，一共30份問卷，回收23份。統計結果顯示：

1、希望在課堂中用古典音樂來伴奏的占68%

2、希望在課堂中用通俗流行音樂來伴奏的占59%/

3、希望在課堂中用原創音樂伴奏的占45%

從以上的問卷調查中我們可以清晰的看到無論是本專業的舞蹈老師還是學生都希望鋼琴伴奏能有所改變，有所創新來解決現實中的問題和矛盾，促進我們的教學向更廣闊的天地發展。而從宏觀上來看，不斷發展的社會教育需要上層教學機構的同步發展，任何一項教育工作都必須與時俱進，才能為教育事業培養出能學以致用的實用

性人才。

三、改編應用多元化音樂在音舞專業舞蹈課鋼琴伴奏中的積極意義

近年來，音樂教育者都十分重視將多元化音樂融入實際教學中，在國外更是備受推崇。鋼琴伴奏看似陪襯但卻是我們將多種音樂元素融入舞蹈教學的唯一途徑，并能彌補我們在教材上匱乏，讓課堂生動活潑，消除學生對單一枯燥音樂的倦怠感，以此來提高我們的教學效率。其次對提升學生的審美層次也意義巨大，多元化的音樂才能讓他們領會到世界音樂的奇妙和美，而不是僅局限于書本中的音樂，做一只驕傲的井底之蛙。同時還能提高學生的創造意識，懂得教學要不斷的創新，在各個方面都需要大膽的摸索才能讓自己的教學不落后于人并不斷發展。

四、將多元化音樂改編應用的具體方法

（一）古典主義音樂的改編與應用

無論西方或是中國的古典主義音樂都是一種能讓人深思，使人高尚，經得起歲月歷練的音樂。它們的結構規整，旋律之美能讓人反復回味，和聲分句系統有規律，節奏也突出明顯。音舞專業舞蹈課中進行的都是形式和內容都比較規整的舞蹈訓練，對音樂的要求主要在于節奏清晰、片段規整，能給學生明確的旋律起伏感。經過改編后的古典音樂，是可以達到要求的。

如：F.J.戈塞克《加沃特舞曲》主題旋律和柴可夫斯基《四小天鵝舞曲》都適用于小彈腿（Battement frappe）。G.威爾第《大進行曲》主題旋律部分適用于大踢腿（Grand battement jete），《快樂女戰士》可用于古典舞的小跳組合，鋼琴曲《春舞》主題旋律部分可用于民間舞課的賽乃姆組合等等。這些樂曲中有些也是學生們正在學習演奏的鋼琴曲，與舞蹈相結合后能讓他們更直觀的體會到樂曲的形象和節奏感，促進他們找到演奏的情感。古典音樂也是一種理性的藝術，它們的旋律走勢有預見性，曲調優美，曲風高雅，節奏規范易把握，讓學生易于配和舞蹈動作，并在和伴奏的同時能廣泛接觸到各類型的古典樂曲。豐富的知識量是提高他們的藝術修養的必要基礎。

（二）通俗流行類音樂的改編與應用

通俗流行音樂是一個時期社會潮流文化的縮影，受大眾的喜歡，易于傳播和接受，包括流行歌曲、輕音樂、電影配樂或插曲和爵士類樂曲等。這類樂曲能引起學生的共鳴，音樂響起的瞬間會看到學生們的臉上一抹輕松的微笑。其特點是旋律朗朗上口、結構短小精干、節奏明確、形態豐富、這些特點都適合音舞專業的學生。因為他們中大多數并未通過多年專業的訓練，甚至未接觸過鋼琴伴奏的舞蹈課程，而通俗輕音樂是學生平時聽得最多，接觸最多的，既符合他們的音樂水平又能明顯提升課堂的活躍性。學生能把更多的注意力放在舞蹈動作的學習和規范上。時代音樂元素的融入，也有助于學生開闊思維，提升不拘于形式大膽創新的意識。改編流行音樂要遵循以下幾點原則：

首先，高師音舞專業的學生是將來基礎音樂舞蹈教育的人才，他們必須傳播一種積極向上的正能量，因此我們要摒除內容不和諧、不健康、難登大雅之堂的通俗音樂。其次，要選擇符合音舞專業學生聽力水平的音樂，旋律感要強，不規律節奏和自由散漫的節奏都需要我們去規范改寫。再次，通俗流行音樂大都沒有古典音樂那樣規范，我們一般選擇保留其主體旋律，根據舞蹈的節奏韻律做出相應的旋律擴展或縮減。如歌曲《九兒》要改編為古典舞控制的音樂時，要將整體速度放快，太過于緩慢的節奏對于能力較差的音舞學生來說是很難完成如此長時間控制的，歌曲中的幾處自由延長音要規整為4拍或8拍結束。最后是左手伴奏應選用適合舞蹈節奏的織體結構，和聲的配備盡量少用和弦外音，以古典和聲體系為主。

如：《神秘園之歌》可用于音舞專業芭蕾舞把桿體態練習或者手位組合，久石讓《Always with me》可用于單腿蹲（Battement fondu），歌曲《九兒》可用于古典舞的控制組合，歌曲《莫尼山》可用于民間舞的藏族旋子組合等等。

（三）將爵士元素融入鋼琴伴奏音樂中

在西方，爵士樂被認為是可以讓人動起來的音樂，在很多電影電視劇中都常常見到人們在爵士樂中隨心歡快的舞蹈。雖然這類大多節奏自由性很高，音舞專業的學生要抓住這類音樂的節奏點是不易的，但學生們喜歡時尚潮流的音樂，并且近些年也越來越受到大眾的喜愛，所以，為了讓學生能學習吸收豐富的音樂知識且學以致用，可以適當用爵士風格對音樂進行二次創作。

如：巴赫的《西西里舞曲》這首曲子可用拉格泰姆節奏改編，用于轉（Pirouettes）的練習。彈奏時，在旋律中適當加入滑音和顫音，伴奏聲部避免使用過于自由和繁瑣的節奏型，盡量把曲調、節奏和節拍重音都表達清楚，又不失爵士樂自由搖擺的特點，有助于學生去找到旋轉這一練習中點線面流動的空間感，這種風格的樂曲對活躍課堂氣氛也有很好輔助作用。《萬歲千山總是情》這首歌曲可用搖擺的節奏型來改編后用于古典舞的五位擦地組合，但不能太過于自由，要突出節奏點和重拍，才能讓學生找到每個動作的發力點。

（四）創作鋼琴伴奏音樂

在這個提倡創新教育的時代里，作為音舞專業的鋼琴伴奏者也應積極突破，嘗試自己為教學創作一些音樂。筆者通過近兩年創作的實踐，總結了以下幾點創作伴奏樂曲需要把握的要點：

1.創作樂曲要符合舞蹈的風格。芭蕾、古典和民間舞都各賦一格，芭蕾舞源于西方，樂曲風格高雅、干凈且意境純美。而中國古典舞音樂則需要婉轉優美的風格，民間舞音樂需要以民族音樂的節奏特點為基準來創作。

2.音樂結構和節奏的設置

首先，樂曲必須由方整性樂句組成。音舞專業舞蹈課組合重視基礎訓練和規范化，幾乎不出現不規整的動作語句，因此，鋼琴伴奏音樂也必須方正有序。

第二，曲式結構要簡練。常用單段體（A），二段式（A+B）和三段式（A+B+C）或（A+B+A），但必須配以準備拍和收尾音樂才能保證舞蹈和音樂的完整配合。加之音舞專業的學生大多數未經過系統的舞蹈學習，甚至從來沒有接觸過鋼琴伴奏下的舞蹈課，因此必須照顧他們的弱項，仔細觀察舞蹈組合的模塊組成，選擇相適應的曲式結構來創作樂曲。

第三，樂曲節拍以2/4、3/4、4/4拍為主，盡量避免使用3/8、6/8、2/2等較為復雜的節拍。音舞專業學生的樂理知識普遍欠佳，復雜的節拍和節奏型會加重他們的學習負擔，讓伴奏音樂變成和如五位擦地、小踢腿、小跳等比較歡快有力的組合可以用2/4拍為編曲節拍，劃圈、中跳和單腿蹲可用3/4拍來編寫，一位擦地和控制可用4/4拍節奏編寫。

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一、古典音樂在幼兒音樂教學中的價值

現階段我國幼兒音樂教學是遵循《幼兒園教育指導綱要（試行）》的要求，對于音樂教育內容大致如下：第一，貼近幼兒的生活，滿足幼兒對音樂的天性、興趣、感受、體驗、表現及創作；第二，要照顧到各年齡階段幼兒的知識經驗和技能水平，還要考慮每個幼兒的愿望和興趣；第三，音樂作品的題材風格要廣泛；第四，引導幼兒了解不同民族、不同國家的音樂表現形式。從上述我們可以看出，古典音樂作為一種重要的音樂形式，國家是大力推崇的，因為它所能涵蓋的范圍很寬泛，從橫向上來看可以代表各個國家的音樂風格，從縱向上看代表著每個不同時期的音樂風格，以及每個音樂家所詮釋的音樂風格，它能帶來不同的情感體驗。

二、古典音樂在幼兒音樂教學中的運用

古典音樂尤其自身的獨特性，幼兒音樂教學中存在的問題亟待我們解決，對于如何使其古典音樂能更好的發揮它的作用，筆者將著重兩種方法談起：實踐方法和游戲方法。

（一）實踐方法

如今幼兒音樂教學中最缺少的是實踐，針對這一方面，古典音樂應該如何融入幼兒實踐中去，應該如何體現幼兒在實踐中的主體性地位，筆者進行了一些探索。

方法一：器樂帶進課堂

古典音樂的體裁形式多樣的，如協奏曲、奏鳴曲、交響曲等，在幼兒剛了解古典音樂初期階段，可以從交響曲開始，例如以貝多芬最為著名的命運交響曲為例，當樂曲的開頭部分，強震撼的重音演奏出來的時候，幼兒教師可以通過注意觀察幼兒的表情，是充滿了恐慌情緒還是依然鎮定等等，來判斷幼兒對音樂的理解。用音響、交響的視頻等多媒體手段先給幼兒一種音樂初步的印象，再通過這首曲子介紹整個交響樂團的構造，最后，適當的帶器樂到課堂，可以讓幼兒進行適當操作或觀看有特長小朋友的表演，這樣幼兒可以知道，在這復雜的交響音樂中，原來單獨一件樂器的聲音也同樣是美妙的。

方法二：音樂三要素的運用

構成古典音樂三個要素是：節奏、旋律、和聲，一首好的音樂都是這三個要素完美的統一，在對于幼兒音樂的培養上，尤其在實踐的環節，更應該從這三個方面進行訓練。第一，節奏上來看，據了解，兒童最初學習音樂最適宜的速度是每分鐘120拍—130拍，如強弱的節奏，可以表現正步走的律動，但如果被拉寬，四四拍子的節奏，就變成了抒感的律動，正如“我的太陽”，相反如果緊縮，變成八分音符或者十六分音符，正如“土耳其進行曲”就是一種歡快。這樣不同的節奏感訓練，是常見幼兒音樂教學實踐中采用的方式。第二，從旋律上，表現的形式更加的豐富，旋律是音樂真正的靈魂。在這里，我們可以在教學中加上各種其他藝術表現形式，如舞蹈、戲劇、音樂劇等等，這樣不僅可以使更多的兒童參與，還能活躍課堂氣氛，第三，從和聲的角度，由于幼兒對于音樂基礎的概念還不能完全的建立，在和聲表現兩個或多個不同的音同時發出的音響方面，不一定可以很好的掌握，幼兒教師針對這一缺陷，引入其音樂相關背景及其故事情節介紹即可。

（二）游戲方法

我國著名的教育家陳鶴琴先生曾說過：“我們應該注重兒童的音樂教育，用音樂來豐富幼兒的生活，陶冶兒童的情感，使兒童的性情通過音樂的洗練，達到至精至純的陶冶，以至于引導兒童以快樂的精神來塑造自己的生活”。根據研究表明，幼兒期處于的象征性游戲階段，幼兒的游戲不再是身體動作的簡單重復，而是由思維的參與，出現了象征物或者替代物，根據這一特點，我們應該采取的游戲方法可以有獨自游戲、平行游戲、聯合游戲、合作游戲。

第一，獨自游戲

這個階段主要是出于幼兒園的小班階段，在這一時期，因為兒童喜歡獨處，很專注于自己的世界，幼兒教師可以選取一些優美的古典風格的曲目，作為背景音樂，側重培養對于古典音樂的興趣，感受不一樣的聲音。

第二，平行游戲

這種游戲方式，表明兒童對于游戲方式他要求一種對等關系，正因為如此，教師可以拿一首古典音樂譜子，例如肖邦的夜曲鋼琴譜，可以先教會孩子們五線譜的一些簡單的符號，比一比，誰畫的好，這樣的游戲是統一性的，幼兒更容易接受。

第三，聯合游戲

這個階段處于幼兒園的中班，幼兒會出現一種以自我為中心的傾向性，這時兒童大多表現出以自身的興趣為出發點，愿意參加其活動，但是以自身出發。針對這一時期，在幼兒教學中，我們就可以采取一些創意性的做法，比如選用“圣桑動物狂歡節”片段，里面有不同的樂器表現出來的聲音，幼兒教師可以用事先做好的道具，讓兒童自己選擇，想扮演的角色，通過角色扮演，教師可以傳達一些關于動物的常識。

第四，合作游戲

到了幼兒園的大班，兒童組建的以集體共同目標為中心，在游戲中相互合作努力達到目的，有明確的分工、合作及規則意識。鑒于此特點，古典音樂與游戲結合形式更加的豐富，不僅僅局限于角色的扮演，還可以根據不同的情景進行變換。比如欣賞維瓦爾第的“四季”，其針對不同的季節，對于音色的選擇，節奏的感覺各不相同，把音樂與生活結合起來組合一些小游戲，讓兒童更好的熟悉生活，了解季節的變換，體驗生活的美好。

三、總結

兒音樂教學正處在不斷探索的階段，利用好古典音樂這一寶貴的資源，創設出符合兒童的教學方案，這是作為幼兒音樂教育研究者急切需要解決和探索的問題。國內外對早期兒童音樂教學的心理學研究正在進行，特別是對“多通道參與”教學思路的研究，越來越受到了重視。古典音樂作為獨特的音樂素材，可以很好發揮感官作用運用到幼兒音樂教學，可滿足其“多通道參與”功能教學屬性，但如何讓其更好的運用，這值得我們進一步探索發現的。

參考文獻：

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[2] 羅小平，黃虹.音樂心理學[M] .上海音樂學院出版社，2008年版

[3] 沈旋，谷文嫻，陶辛.西方音樂史簡編[M] .上海音樂出版社，2004年版

篇10

36歲的張安麟英文名字叫Angelin，是天使的意思，這位鋼琴天使看上去不像一個明星，她身材微胖，確實像畫中的天使。她性格安靜，微微一笑柔情似水，講話更是輕聲細語，似乎不太擅長用語言講述自己的成功故事，當然這或許也與她出生于美國中文不太流利有關。倒是她坐在一旁的父親常常插話，言談中充滿著自豪，“早在1985年，李斯特的傳人、著名鋼琴演奏家愛德華?普愛樂聽了當時只有十來歲的安麟的演奏后驚嘆：‘她將來不只是普通的音樂家，她將成為主流音樂的傳人。’”

全球最具影響力的音樂大獎之一，素有“音樂奧斯卡”美譽的格萊美印證了愛德華的預言。這個囊括31個音樂領域包含100多個獎項的音樂盛典，每年都會吸引全球數億樂迷的關注，是無數音樂人心中的皇冠。這些年來，華人音樂家的身影頻頻亮相格萊美，除了馬友友、張安麟之外，作曲家譚盾、大提琴家王健、小提琴家林昭亮、指揮家湯沐海、聲樂家戴玉強、歌唱家宋祖英、臺灣唱片封面設計大師蕭青陽都曾出現在提名或入圍名單里，2008年的懸念是郎朗，這位年輕的天才鋼琴家已入圍第50屆格萊美最佳器樂獨奏獎，與張安麟同屬一個獎項。不過，很多人懷疑格萊美是否真的會把同一個獎項連續兩年頒給亞裔人，因為格萊美時不時被人指責保守、排外、妄自尊大。

對于這次獲獎，身邊所有人都比張安麟本人更加興奮：很少有不是出身于音樂世家的人能成為世界級古典音樂家，這使她的父母倍感驕傲，這當然也是全球華人的驕傲，而美國人張安麟戰勝了另外4位歐洲入圍音樂家這點，同樣使美國感到欣慰。至于她所在的州和大學更是歡欣鼓舞，州長第一時間發來了賀信，克里夫蘭大學更是把她當成招生廣告：“請問，美國還有哪所大學有獲得格萊美獎的教授嗎？”克里夫蘭市擁有源遠流長的古典音樂傳統，被譽為“音樂之城”，克里夫蘭交響樂團是美國5大交響樂團之一，現在那里又增加了一道新風景。

其實，張安麟并不僅僅以出色演奏家的身份傳承古典音樂，她還是杰出的音樂教育家和研究者。

現任美國俄亥俄州克里夫蘭大學鋼琴系主任、終身教授的張安麟，與其他職業演奏家不同，她首先是個學者。她的音樂成就既得益于天賦，又和她長期積累的深厚的音樂研究功底密切相關，她把古典音樂當作一門學科、一個事件和一種自然現象加以研究，用電腦等現代化手段進行分析、破解，試圖解開作曲家的創作動機及其魅力永存之謎，對張安麟來說，研究和教學是她的本職工作，而演奏只是其研究成果的展示。事實上，這次格萊美的獲獎作品《異國鳥歌》，就是張安麟多年潛心研究的重要成果。

《異國鳥歌》是一部奇特的作品，出自被譽為20世紀最偉大的音樂家之一的法國作曲家奧利維?梅西安之手。梅西安是位非常專業的鳥類觀察家，他在上世紀50年代用五線譜記錄下來的各種鳥鳴聲，張安麟用電腦聲譜與真正的鳥鳴聲加以對照分析后發現，兩者竟然幾乎完全一致。張安麟說：“在他的音樂世界里，鳥兒們都是活生生的，它們或飛行或棲息。那里的鳥鳴聲不是被抽離的摹仿。”張安麟的博士論文題目就是“梅西安鳥歌研究”。當梅西安的雨燕、鯡鷗、藍巖畫眉、百靈們在張安麟的鋼琴上婉轉鳴唱時，1萬多名格萊美評委被征服了。所以，對張安麟來說，這座格萊美獎也是犒賞她音樂研究的諾貝爾獎。

張安麟的最新研究課題是困擾許多鋼琴演奏者的手疾問題。由于彈奏方法或技巧運用不當，或是為了發出某種特別的聲音，堅持用很別扭的手法練習演奏，不少鋼琴演奏者患有手疾。張安麟希望在音樂與醫學的交叉中找到防治這種職業病的方法。

無論是演奏，還是帶教學生、研究課題，張安麟都有一種使命感，所以她在發表獲獎感言時說：“獲獎只會加重我對音樂的使命感，接下來的歲月都是我報答的時光。”

■天才學生

在父親張德光看來，張安麟從小就是一個鋼琴天使。

張安麟4歲開始學琴，有一次她隨父母做客朋友家，小安麟厭煩了談興正濃的大人們哭鬧起來，于是朋友夫妻把她領進了琴室，琴聲一響起，小安麟停止了吵鬧，這一小小表現，使得張德光嘗試著發掘女兒的天賦。

“我從小就對樂器著迷，既學鋼琴又學小提琴，每天得花很多時間，沒人規定我練多長時間，自己覺得一段曲子練得差不多了才會停止。的確很辛苦，但愛上了就不覺得苦，而且我很清楚吃了這些苦會得到什么，音樂是我的工具，我想掌握這個工具表達自己的情感。”她說。

張安麟驚人的天賦和執著的求知欲感動過不少曾指引她的名師。張安麟曾拜師美國朱莉婭音樂學院的一名著名教授，他每小時收費150美元，這超出了當時她家的承受能力，于是她跟那位教授商量，是否每次就教一刻鐘。張安麟回憶說：“結果，超出一刻鐘了，他還在往下教，而我就像坐在出租車上遇到堵車一樣，急得不得了，盡想著錢的事。最后他上了整整3小時的課，卻說你就給一小時的錢吧，不過千萬別對別人說。現在我可以說了，因為他已去世了。”

張安麟當年在數百名考生中以第一名成績考入美國印第安納州博爾大學音樂系，取得該校音樂學士，后來又在印第安納大學獲得音樂碩士學位，在約翰?霍普金斯大學獲得音樂博士學位。其間她還留學巴黎音樂學院，她的老師就是奧利維?梅西安的太太，人稱“法國最懂音樂”的女人。一次，當梅西安在家中從頭至尾全神貫注地聽完張安麟的演奏后，對妻子說：“你有一位天才學生。”

如今，張安麟經常擔任眾多國際音樂賽事的評委，但她對音樂比賽的看法與眾不同。“其實，我覺得音樂不是田徑項目，是不能比的。比賽對一些新人來說只是冒出來的機會，如此而已，但不是公平的，第一名不一定是最好的，每個評委的口味、標準相差很大，勝者往往是妥協、平衡的結果。”作為一個教授和評委，張安麟對年輕音樂演奏者的忠告是，要創造，不要只一味模仿，要注意音樂的本質，而不是僅僅在技巧上下功夫，就像寫詩，有的詩很華麗，語法都正確，卻不是好詩，有些詩語法不都正確，很樸素、很天真，但非常動人，是偉大的作品。